"A Transparent Musical", une série queer pionnière pour la scène

L'émission, qui se déroule actuellement en première mondiale au Mark Taper Forum de Los Angeles jusqu'au 25 juin, est un récit de l'histoire du clan Pfefferman.

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LOS ANGELES – Il peut sembler un peu inhabituel de commencer une critique d'une production théâtrale en discutant d'une série télévisée – mais dans le cas de "A Transparent Musical", c'est l'endroit logique pour commencer. présentée en première mondiale au Mark Taper Forum de Los Angeles jusqu'au 25 juin, est un récit de l'histoire du clan Pfefferman, la famille LA chargée de secrets, profondément dysfonctionnelle et très juive au centre de "Transparent", une Amazone pionnière désormais emblématique série qui a été créée en 2014 et a duré 4 saisons acclamées par la critique avant de se terminer par un long métrage spécial "Musicale Finale" au lieu d'un cinquième.

Dans sa forme originale, la saga a commencé avec la sortie de Maura Pfefferman à ses enfants en tant que femme trans – une révélation explosive qui fait vaciller la famille privilégiée et égocentrique. À partir de là, il a tracé la transition de Maura vers la fière matriarche trans qu'elle a toujours su être en elle, ainsi que les luttes de son ex-conjoint (Shelly) et de leurs enfants (Josh, Sarah et Ali) pour naviguer dans la vie – à la fois en tant que famille. et en tant qu'individus - dans la foulée.

Au cours des saisons suivantes, l'attention s'est davantage portée sur le plus jeune enfant Ali et la recherche qu'elle entreprend pour sa propre identité, et après le départ controversé de la star de la série Jeffrey Tambor, l'histoire a finalement culminé avec la création par Ali d'une comédie musicale sur l'histoire de sa famille.

Alors que le dernier épisode a remporté sa part d'éloges et de distinctions critiques et a donné aux fans de la série une forme de clôture, de nombreux téléspectateurs n'ont pu s'empêcher de ressentir un sentiment d'anti-climax; pour eux, les circonstances entourant le départ de Maura du récit (que nous n'aborderons pas ici, vous pouvez le rechercher si vous ne vous en souvenez pas) ont laissé quelque chose d'un goût amer dans l'air, et tandis que le sentiment renouvelé d'espoir et la guérison apportée à Ali, ses frères et sœurs et sa mère ont été appréciés, le fait que Maura n'ait pas été autorisée à y aller avec eux était, eh bien, injuste.

Alors que l'acteur qui l'incarnait n'était peut-être plus apte à poursuivre le voyage, le personnage méritait un bien meilleur sort, et le public qui l'avait enracinée au cours de quatre saisons méritait qu'elle l'ait aussi. esprit, on pourrait entrer dans "A Transparent Musical" – co-écrit par le créateur de la série Joey Soloway et MJ Kaufman, avec de la musique et des paroles de Faith, le frère de Soloway – avec des attentes réservées. En effet, à quoi ressemblerait même une adaptation musicale de ce récit tentaculaire, avec ses thèmes sociaux et culturels complexes et sa distribution étendue de personnages entrelacés ? Pourrait-il même être possible pour eux d'intégrer 41 épisodes de narration télévisée dans une version scénique de deux heures et demie? Il s'avère qu'ils n'ont même pas eu à essayer. Au lieu de cela, "A Transparent Musical" réinvente toute l'histoire des Pfeffermans en une expérience simplifiée et autonome qui peut être appréciée et appréciée sans aucune connaissance de la série. Au lieu de placer Maura (jouée ici par Daya Curley) au centre de l'histoire, c'est le jeune Ali (Adina Verson) qui devient notre point d'entrée ; chargée d'aider à monter une pièce de théâtre pour le carnaval de Pourim de son centre communautaire juif, elle se retrouve entraînée dans un voyage de découverte de soi, rappelant des moments clés du passé de sa famille et établissant des liens entre leur histoire et l'héritage culturel et ethnique aux multiples facettes qui s'étale derrière eux.

Fini la plupart des voyages secondaires effectués par la série, ainsi que de nombreux personnages non-Pfefferman, et ce qui reste est un récit réduit qui parvient à se sentir tout aussi complet – sinon plus, étant donné que Maura est maintenant autorisé être inclus dans la fin - comme la série que les fans ont appris à aimer. Bien sûr, réduire les choses à ce point signifie inévitablement sacrifier beaucoup de nuances, et cela a un impact impossible à ignorer sur le premier acte de la série, qui est long au début mais se sent encore plus long à cause de cela.

L'un des défis de "Transparent" était que ses protagonistes étaient tous désordonnés, égocentriques, déraisonnables, cloisonnés, malhonnêtes, têtus, rancuniers, voire parfois délibérément cruels les uns envers les autres - bref, tous, y compris Maura (parfois surtout elle), étaient souvent difficiles à aimer.

La grâce salvatrice était la capacité du spectacle à nous laisser voir dans les coins les plus profonds de chacune de leurs vies, où nous pouvions reconnaître et comprendre l'humanité blessée qui se cache derrière tous ces murs de défense; ici, sans le luxe d'une exploration aussi détaillée, leur désagrément rend parfois difficile de se soucier de savoir s'ils règlent les choses par eux-mêmes ou non.

Mais bien sûr, il n'est pas nécessaire d'aimer ou même de se soucier des personnages pour trouver des aspects de soi qui s'y reflètent, et leur relativité contribue grandement à nous garder suffisamment investis pour rester après l'entracte - et c'est une chance, car c'est dans le deuxième acte que "A Transparent Musical" s'épanouit dans la manifestation pleinement réalisée de l'histoire de Soloway que nous ne savions pas qu'elle devait devenir.

Sans donner de spoilers, la seconde moitié emploie des envolées de fantaisie – conçues et développées à partir d'éléments inclus dans la série – pour rassembler toutes les luttes des Pfefferman et cristalliser tous les thèmes de l'histoire en un seul paquet cathartique.

Au moment où c'est fini, l'acceptation, le pardon, et oui, la transcendance qui s'est produit sur scène nous laisse réfléchir à des questions sur notre propre identité, et comment être vu pour qui nous sommes vraiment fait une grande différence dans notre capacité à voir les autres qui beaucoup trop.

Sous la direction de Tina Landau, la production regorge d'images colorées et passionnantes et d'une mise en scène inventive qui nous aide à suivre facilement les sauts dans le temps et dans l'espace qui se produisent dans le cadre immersif du spectacle - qui, conçu avec une authenticité ironique par Alan Rigg, met le public au milieu d'un auditorium JCC.

Les chansons de Faith Soloway peuvent ne pas s'attarder mélodiquement dans votre cerveau de la manière généralement attendue des showtunes, mais leurs paroles sont intelligentes, perspicaces, drôles et transmettent avec succès des fils compliqués de langage et d'idées sans nous laisser perdre la trace de l'un d'eux; couplé à la chorégraphie nette et énergique de James Alsop, c'est une combinaison qui offre une injection bienvenue de plaisir de théâtre musical plein d'entrain.

Quant à la distribution, un ensemble diversifié et talentueux qui semble s'amuser comme jamais, elle est uniformément excellente. Verson mérite une mention spéciale pour avoir assumé les responsabilités narratives de la série sans se distancier dans le processus, tout comme Curley pour avoir habité Maura si complètement que nous oublions facilement toute incarnation précédente d'elle.

Liz Larsen a plusieurs moments marquants comme "et moi ?" maman Shelly, tout comme Peppermint (dans le double rôle de Davina et Darlene), dont les puissantes prouesses vocales font tomber la maison plus d'une fois – un exploit également accompli par Kasper dans le rôle d'Ezra. Mis à part les moments marquants, cependant, l'ensemble de l'entreprise devrait vraiment être considérée comme des stars communes de la série.

Il pourrait aller sans dire, peut-être, qu'une émission comme "A Transparent Musical" est très importante pour être vue à une époque comme la nôtre, alors que les réactions violentes des fanatiques extrémistes deviennent de plus en plus alarmantes et que les politiciens se plient à l'homophobie avec une législation régressive et nuisible.

Il y a des moments dans l'émission qui traitent de cette volatilité croissante, un élément qui apporte un nouveau sentiment d'urgence à son message d'acceptation - quelque chose qu'il rend beaucoup plus facile à avaler en nous montrant que se sentir bien dans sa peau est un besoin humain essentiel qui s'étend bien au-delà de l'importance du sexe, de la sexualité, de la race ou de tout autre facteur externe que nous utilisons pour nous séparer des autres.

Même ainsi, et malgré de multiples thèmes qui ne manqueront pas d'être inconfortables - voire potentiellement déclenchants - pour de nombreux publics, "A Transparent Musical" n'est pas un spectacle sombre, ni ne s'attarde sur les terreurs politiques du monde plus large, même s'il reconnaît qu'ils sont là. Il va sans dire que beaucoup de nos lecteurs le considéreront comme une pièce de théâtre incontournable, simplement en raison de son message et du besoin d'être visible ; soyez assuré que même si vous y allez parce que vous en avez envie, vous en profiterez probablement aussi.

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Si vous êtes un fan de théâtre, et que vous êtes également un fan de films classiques, et que vous êtes également queer, alors Pride Month à LA vous réserve un traitement spécial

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BURBANK, Californie - Si vous êtes un fan de théâtre, et que vous êtes également un fan de films classiques, et que vous êtes également queer, alors le mois de la fierté à LA vous réserve un traitement spécial.

Du 2 juin au 9 juillet, le Victory Theatre Center de Burbank accueillera la première mondiale de "Porche arrière", une nouvelle pièce d'Eric Anderson qui utilise un scénario imaginaire dans une tranche réelle de l'histoire du cinéma pour raconter une histoire très étrange - une histoire qui rend un délicieux hommage à un classique hollywoodien bien-aimé ainsi qu'au dramaturge derrière l'œuvre qui l'a inspiré .Le décor est une petite ville du Kansas et l'année 1955, lorsqu'une équipe de tournage hollywoodienne débarque dans la communauté pour tourner des scènes du film classique "Picnic".

D'après le synopsis :

Barney Quatre (Karl Maschek) est veuf et père de deux garçons : Gary, 18 ans (Isaac W. Jay), qui aspire à échapper à la vie d'une petite ville du Kansas pour une existence plus glamour, et Del Wayne, 13 ans, énergique (Cody Lemon ). La vie de la famille est bouleversée lorsqu'un bel étranger travaille comme cascadeur de William Holden (Jordan Morgan ) souffle en ville aux côtés du casting de stars. D'autres personnages incluent le pensionnaire célibataire des Opats, le professeur de chant Myron Uhrig (Eric Zac), et leur voisin, Millard Goff (Jonathan Poissonman).

Inutile de dire que les étincelles commencent à voler (de plus d'une manière) presque immédiatement.

Le dramaturge Anderson - qui est lui-même né et a grandi au Kansas - dit qu'il se souvient d'avoir eu 4 ans lorsque des parties de "Picnic" ont été filmées près de chez lui. Depuis, je suis fou de cinéma - et de théâtre. Avec "Back Porch", je voulais rendre hommage à un dramaturge américain important qui était aussi considérablement enfermé. J'espérais écrire le genre de pièce qu'il a lui-même aurait pu écrire s'il avait vécu à une autre époque et dans un autre lieu."

La pièce est mise en scène par Kelie McIver, une autre native du Kansas, qui va jusqu'à la qualifier de "lettre d'amour à William Inge". Elle l'appelle également "une pièce d'ensemble formidable dans laquelle chaque personnage a un arc intéressant et magnifique. Je les aime tous et je veux passer du temps avec eux."

"Back Porch" est présenté par Bluestem Productions. En plus d'Anderson et McIver, l'équipe créative comprend le scénographeKenny Klimak, designer d'illuminationCarol Doehring, concepteur sonoreCynthia Nava, costumièreMolly Martin, chorégraphe de cascades/combatsBrett Elliotet directeur de l'intimitéAmanda Rose Villarreal . Le régisseur estMarguerite Magula.David WillisetKelly Mc Iverproduire pour Bluestem.

Pour information et pour acheter des billets, composez le (818) 533-1611 ou visitez le site Web de la production.

Los Angeles, voici votre chance de l'entendre et de la voir. Le finaliste de "RuPaul's Drag Race" monte sur scène au Mark Taper Forum du 20 mai au 25 juin

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HOLLYWOOD - Il y a deux ans, Peppermint nous a donné une image claire de qui elle est, en se faisant un devoir de nous le dire dans sa chanson "A Girl Like Me".

"Elle est forte et ne le prend à personne."

En tant que finaliste de la neuvième saison de "RuPaul's Drag Race", Peppermint est arrivé quatrième et a été éliminé lors du tournage de l'émission. La société de production a cependant changé d'avis et l'a remise pour la finale, coupant son élimination de la version diffusée.

Elle a peut-être perdu cette compétition, mais elle a gagné quelque chose de plus grand : l'histoire. Elle a été la première personne trans à participer à "Drag Race". Un an plus tard, RuPaul a été critiqué pour avoir déclaré que seules les reines transgenres qui n'avaient pas encore subi d'opération, comme Peppermint ne l'avait pas fait à l'époque, pouvaient concourir.

Elle n'était pas amusée. Elle a tweeté un emoji avec une grande fermeture éclair sur la bouche en réponse. Le lendemain, RuPaul s'est rétracté et a inversé sa politique.

"Une fille comme moi n'est pas toujours considérée comme égale, et parfois pas du tout… Et quand les ennuis arrivent, elle est la première à tomber."

Récemment, elle a été trollée sur les réseaux sociaux après l'horrible fusillade dans une école chrétienne. Un fou de droite aspirait à trouver et à jeter une vraie personne transgenre exprimant de la compassion pour le tireur non binaire de Nashville. Il n'en a pas trouvé, alors à la place, il a créé un faux tweet et l'a attribué à Peppermint pour construire un récit "les personnes trans comme des tueurs impénitents".

Le faux tweet avertissait les tueurs trans potentiels de nettoyer leurs réseaux sociaux avant de commettre des actes odieux, et ainsi de protéger Peppermint et la communauté. Le message était impitoyable et une fraude.

Peppermint a verrouillé son compte Twitter sur "privé" (plus de captures d'écran Twitter postées au médecin pour vous). Elle a posté : "Les gens sont encore en train de photographier de fausses captures d'écran." Elle a ensuite repris le récit: "Attaquer mon personnage avec des mots que je n'ai JAMAIS tweeté. J'ai le cœur brisé à propos de la terrible fusillade à TN. Je crois que l'accès aux armes à feu est un facteur majeur dans les attaques liées aux armes à feu. Cela ne me dissuadera pas d'élever les gens des communautés marginalisées."

"Une fille comme moi peut illuminer n'importe quelle fête."

La fête de la menthe poivrée arrive à nous, Los Angeles. Peppermint illumine la scène du Mark Taper Forum où elle jouera dans "A Transparent Musical" du 20 mai au 25 juin. La comédie musicale est la version comique de l'histoire de la famille Pfefferman, dont le patriarche permet enfin à leur vrai moi d'émerger en tant que Maura, la matriarche transgenre qu'elle a toujours su qu'elle était. Basé sur le drame télévisé original à succès d'Amazon Prime "Transparent" de Joey Soloway, "A Transparent Musical" emmène la famille juive de Los Angeles dans une direction amusante et musicale, ce qui les rend "universellement relatables, imparfaitement humains et étonnamment familiers".

Peppermint est à l'origine du rôle de Davina. La partie de la série a d'abord été créée par Alexandra Billings. En tant que Davina, Peppermint dirige la programmation du centre communautaire juif local et est la confidente du personnage principal Maura. En fin de compte, la menthe poivrée aide à raconter l'histoire des secrets de famille qui révèlent une histoire de découverte de soi, d'acceptation et de célébration.

"Et les filles comme moi ont peur et sont en colère, mais nous trouvons toujours un moyen de sourire…"

Ne pas se limiter aux représentations théâtrales en direct, Peppermint fait irruption sur la scène Netflix dans la série "Survival of the Thickest", qui se concentre sur le personnage de Mavis Beaumont joué par Michelle Buteau, qui a écrit le livre sur lequel la série est basée.

Noire, grande taille et nouvellement célibataire, Mavis se retrouve de manière inattendue à devoir reconstruire sa vie de styliste en difficulté. Peppermint dépeint un influenceur des médias sociaux et propriétaire du restaurant de drag local. Drôle, super impertinent et attentionné, le personnage de Peppermint agit comme la mère drag "adoptée" de Mavis.

"Une fille comme moi sait vivre sa vérité."

Si ces projets ne suffisent pas, Peppermint nous dévoile sa vérité dans "SO-SIGH-ETY Effects", son premier stand-up spécial disponible maintenant sur Amazon Prime Video, Apple TV, Google Play, YouTube, Vimeo et câblodistributeurs du monde entier. Dans le spécial, elle emmène le public à travers un voyage tout compris à New York en regardant ce que c'est que d'être une femme transgenre noire célibataire dans la société d'aujourd'hui. Peppermint promet des rires et des larmes alors qu'elle raconte des histoires d'amour et de chagrin d'amour de la scène à la cabine de la salle de bain.

"La fille qui aspire au bien mais qui finit par être tellement incomprise."

Cependant, la menthe poivrée n'est pas seulement là pour les projecteurs et les affaires du spectacle. Elle est la toute première artiste ambassadrice de l'ACLU pour la justice trans et a collecté des sommes à six chiffres pour d'éminents groupes de défense des droits des LGBT. Elle s'est associée au "MAC AIDS Fund" de MAC Cosmetics et est impliquée dans le réseau d'essais de vaccins contre le VIH. Elle a rejoint Sasha Velour, gagnante de "RuPaul's Drag Race", pour une tournée universitaire axée sur les défis auxquels sont confrontées les personnes transgenres et non binaires dans le climat politique actuel. Elle a été nominée pour un GLAAD Media Award 2022 dans la catégorie Outstanding Online Journalism pour sa contribution à la série Discovery+ "Legendary" (un prix remporté par le Los Angeles Blade en 2023). Les honneurs précédents incluent; Nomination au GLAAD Media Award aux côtés de Lady Gaga & Kehlani pour Outstanding Music Artist (2021), "Best Songwriter" aux World of Wonder's Wowie Awards 2020, Conde Nast's "Queeroes" award (2018), la prestigieuse liste "New Power of New York" de Variety, et a été nommé l'un des portefeuilles "OUT100" du magazine Out des personnes LGBTQ les plus influentes de l'année.

À la fin de "A Girl Like Me", Peppermint plaide : "J'ai juste besoin d'être entendue, d'être vue, tu vois ce que je veux dire ? Est-ce que ça ferait mal d'essayer de voir, si tu pouvais aimer une fille, aimer une fille comme moi, la fille qui se bat pour sa vie ?"

Los Angeles, voici votre chance de l'entendre, de la voir, de rire avec elle, de pleurer avec elle et de l'aimer, et avouons-le.

La menthe poivrée est la saveur exacte de sucrerie dont nous avons besoin en ce moment.

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Rob Watson est l'hôte de la populaire émission de radio/podcast basée à Hollywood RATED LGBT RADIO.

Il est un chroniqueur et blogueur LGBTQ établi ayant écrit pour de nombreuses publications en ligne de premier plan, notamment The Los Angeles Blade, The Washington Blade, Parents Magazine, le Huffington Post, LGBTQ Nation, Gay Star News, le New Civil Rights Movement, etc.

Il a été rédacteur en chef de The Good Man Project, est apparu sur MSNBC et a été cité dans Business Week et Forbes Magazine.

Il est PDG de Watson Writes, une agence de communication marketing, et peut être contacté à [email protected] .

Il y a encore des billets à prix réduit disponibles via LA Theatre Week. "Kiss of the Spider Woman" se produit à A Noise Within

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LOS ANGELES - La plupart d'entre nous connaissent probablement "Kiss of the Spider Woman" soit en tant que comédie musicale acclamée de 1993 par les compositeurs de "Cabaret" et "Chicago" John Kander et Fred Ebb et le dramaturge queer Terrence McNally, soit en tant que film acclamé de 1985 avec Raul Julia et William Hurt - ce dernier est devenu le premier acteur à remporter un Oscar pour avoir joué un personnage queer (et aussi le premier des 8 acteurs hétérosexuels à gagner pour avoir joué un personnage queer, mais c'est une autre histoire).

Beaucoup d'entre nous savent aussi qu'avant tout cela, c'était un roman de 1976 de l'auteur argentin Manuel Puig, qui l'a écrit alors qu'il vivait en exil à Greenwich Village après qu'un coup d'État militaire a placé son pays natal sous le règne d'une brutalité et la dictature militaire répressive.

Ce que la plupart d'entre nous ne savent peut-être pas, c'est qu'avant le succès grand public des adaptations cinématographiques et scéniques désormais classiques du roman, il existait une autre version de l'histoire, adaptée en une pièce de théâtre de 1983 par Puig lui-même et traduite en anglais par Allan. Baker pour une première à Londres en 1985 avec Simon Callow et Mark Rylance. C'est cette adaptation de l'œuvre qui est maintenant sur scène à la compagnie de théâtre A Noise Within de LA, et son timing ne pourrait pas être meilleur - parce que si les adaptations les plus célèbres du livre, chacun un produit de leur temps et limité par un manque de langage existant dans leurs efforts pour explorer pleinement ses thèmes complexes sur la sexualité et le genre, peut sembler un peu daté pour beaucoup d'entre nous 2023, une nouvelle prise d'un point de vue plus informé est tout ce qui est nécessaire pour rendez justice au matériel et révélez la voix queer authentique qui a toujours été à l'intérieur.

Pour ceux qui ont besoin d'un rafraîchissement, "Spider Woman" est un drame intime à deux personnages qui se déroule dans une cellule de la prison de Buenos Aires, où Valentin - un prisonnier politique macho dont l'engagement pour la cause marxiste prime sur tout le reste - est jeté avec Molina - un rêveur amoureux du cinéma queer qui échappe à la dure réalité de la vie carcérale en racontant les histoires de ses classiques du film noir préférés et en s'inspirant de leurs grandes dames glamour. Les deux compagnons de cellule ne sont pas assortis, c'est le moins qu'on puisse dire, mais ils parviennent d'une manière ou d'une autre à former une relation improbable.

Dans ses notes de presse pour la nouvelle production, Michael Michetti voit la dynamique entre ces deux personnages diamétralement opposés – qui, coincés dans un environnement oppressant, arrivent à se comprendre, voire à s'aimer – comme un nœud qui « prend une nouvelle pertinence dans le climat polarisé d'aujourd'hui." Il souligne également la quantité surprenante d'humour et d'enjouement contenue dans l'histoire, ainsi que l'importance du langage dans sa conduite.

La langue est particulièrement cruciale pour une version qui raconte l'histoire sans l'aide du genre de vanités conceptuelles élaborées et d'aides à la narration visuelle disponibles pour un film à gros budget ou une comédie musicale de Broadway - et cela signifie que le fardeau de l'utiliser efficacement incombe aux deux acteurs. jouant Valentin et Molina: Ed F. Martin et Adrián González, respectivement.

The Blade a parlé avec eux des défis auxquels ils ont été confrontés pour s'attaquer à deux rôles déjà rendus célèbres dans l'imaginaire public par les précédentes itérations très médiatisées du roman, et leurs réponses soulignent toutes les raisons pour lesquelles "Kiss of the Spider Woman" est toujours, peut-être plus que jamais, une pierre de touche essentielle pour la culture queer.

Pour Molina, il s'agissait de trouver la bonne compréhension de Molina.

"Les versions précédentes ne m'ont pas affecté, ou du moins je ne leur ai pas emprunté. J'ai vu le film il y a longtemps, et j'étais même dans une production de la comédie musicale - jouant le gardien de toutes choses. Mais j'ai juste en quelque sorte est venu en tant que moi-même - et un peu de ma mère - et a plongé dans les répétitions avec tout ce qu'Adrian et Michael ont apporté à la table. Et plus nous approfondissions, plus je tombais amoureux de Molina en tant que personne.

"J'arrive là-dedans en tant qu'homosexuel latino", explique-t-il. "Je pensais à Molina comme à un homme gay, mais en lisant le roman et en décomposant la pièce, j'en suis venu à reconnaître que Molina pouvait être une femme transgenre - c'est difficile à dire avec certitude, aujourd'hui étant si différent de 1975, mais je pense que Molina se considère comme une femme, et elle imite les femmes glamour des années 40 et 50 des films qu'elle aime tant."

Quant à González, il nous dit qu'il ne connaissait ni la comédie musicale ni le film.

"J'admets que lorsque j'ai auditionné pour le rôle et fait des recherches, j'ai regardé quelques scènes du film. Je n'ai rien trouvé de spécial à retenir - j'adore Raul Julia, mais nous sommes des gens différents, et honnêtement, je pense que l'histoire que raconte le film est différente de l'histoire que nous racontons. Pour moi, Valentin est un homme passionné par ses convictions et ferait n'importe quoi pour aider à changer le monde pour le mieux. C'est ce qui a m'a touché."

Élaborant, explique-t-il, "Notre approche pour les personnages - en particulier Molina - est ce qui rend notre histoire spéciale et très pertinente aujourd'hui. Nous la traitons comme une femme trans, à une époque et dans un monde où il n'y avait ni langue ni acceptation d'elle - et elle finit par le trouver chez une personne improbable comme Valentin, ce qui rend cette histoire vraiment spéciale."

Martin est d'accord. "Ces deux personnes sont aux antipodes de leurs opinions, mais dans un espace clos, elles sont obligées de se connaître, d'entendre un point de vue différent, d'apprendre l'une de l'autre et, enfin, de trouver un terrain d'entente ou une connexion. En regardant où nous en sommes aujourd'hui en tant que pays - politiquement, socialement, culturellement - la pièce pourrait nous apprendre une chose ou deux sur la façon de se traiter les uns les autres avec respect alors que nous allons et venons en nous exprimant nous-mêmes et nos valeurs ou philosophies opposées, ou peu importe comment nous les appelons. Ce qui le rend vraiment pertinent, c'est le besoin d'écoute.

González est d'accord, ajoutant : "Nous n'arrivons pas à nous mettre d'accord sur des questions qui sont vraiment des droits humains fondamentaux, et la volonté d'avoir des conversations et de s'écouter est complètement hors de propos, il y a juste un manque d'empathie les uns pour les autres. Et pendant ce temps, les droits des personnes au sein de la communauté LGBTQ+ sont attaqués."

Le potentiel de l'histoire en tant que catalyseur de changement s'étend même aux acteurs eux-mêmes. Comme nous le dit Martin, "J'ai adoré connaître et comprendre Molina, laisser ce personnage être qui il est sans étiquette concernant l'orientation sexuelle, l'identité de genre ou quoi que ce soit. Il y a de nombreuses réactions de Molina dans l'histoire que j'ai moi-même dans la vraie vie - pour le meilleur et pour le pire - et, curieusement, cela m'a fait me poser des questions sur moi-même. Comme je l'ai dit, je m'identifie comme un homme gay - mais grâce à ce rôle, je me demande maintenant si j'ai même besoin de cette étiquette ? "González, en résumant, exprime son espoir que le public trouve son cœur et son esprit également ouverts en faisant l'expérience de "Spider Woman" avec lui.

"Je crois que le théâtre et des histoires comme celle-ci contribuent à façonner le monde dans lequel nous vivons. Que nous soyons d'accord ou non sur certaines questions, si nous sommes capables de nous affronter avec empathie et un cœur ouvert, nous pouvons contribuer à changer le monde ensemble."

"Kiss of the Spider Woman" se produit au A Noise Within, 3352 E Foothill Blvd, Pasadena, du 1er au 23 avril.

"Twilight" présente un ensemble multiracial, dont chacun s'efforce de fournir des représentations honnêtes d'un éventail vertigineux de personnages

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LOS ANGELES – « Twilight : Los Angeles, 1992 » est une pièce unique « LA ». Cela peut sembler une affirmation évidente - après tout, c'est juste là dans le titre - mais dans ce cas, cela désigne bien plus qu'un simple décor.

Conçu, écrit et interprété à l'origine par Anna Deavere Smith en 1993, il s'agit d'une chronique des émeutes - ou du soulèvement, comme beaucoup l'appellent maintenant - qui ont eu lieu à Los Angeles après l'acquittement de quatre officiers du LAPD accusés d'avoir battu Rodney. King lors de son arrestation; c'était une éruption prolongée de troubles civils qui était une nouvelle nationale, mais pour les habitants de Los Angeles, ce fut une expérience profondément traumatisante qui a laissé des cicatrices persistantes. Pour cette seule raison, une représentation de la pièce de Smith à Los Angeles semble un peu plus personnelle qu'elle ne le serait si elle avait lieu ailleurs.

Lorsque vous tenez compte de l'importance supplémentaire qui accompagne le 30e anniversaire de cette perturbation séminale et bouleversante du sentiment d'identité de notre ville, il est clair de voir pourquoi la production est maintenant sur scène au Mark Taper Forum - le lieu même où Smith a monté à l'origine le travail - pourrait frapper un accord particulièrement résonnant pour Angelenos.

Réalisé par Gregg T. Daniel, le nouveau "Twilight" - adapté par Smith elle-même à la suite du meurtre de George Floyd pour permettre la production en tant que pièce d'ensemble plutôt qu'en solo - est parfaitement conscient de son avantage sur le terrain, qu'il complète avec une conception de production mettant en vedette des images de sites locaux familiers sur des écrans de projection qui encadrent et dominent visuellement la scène. Outre l'utilisation fréquente par le script de noms de rues, de jargon et de références culturelles centrés sur LA, il suffit de faire en sorte que l'expérience ressemble autant à une assemblée publique qu'à une soirée de théâtre.

C'est intégré dans le matériel d'origine, bien sûr. Créé par Smith à partir des transcriptions d'environ 300 entretiens qu'elle a personnellement menés, il offre un éventail impressionnant d'opinions contradictoires et de perspectives opposées d'un large éventail multiethnique d'individus réels touchés - directement ou indirectement - par l'émeute, ce qui donne sa voix sonne sans équivoque d'authenticité et l'enracine inextricablement dans l'expérience culturelle partagée de Los Angeles. Trois décennies plus tard, il amplifie également les échos qui se répercutent plus fort depuis que l'Amérique a vu un homme noir se faire assassiner à la télévision au milieu d'une pandémie. Depuis une bande vidéo - l'une des premières à capturer la brutalité policière contre une personne de couleur (POC ) et l'exposer à des millions de paires d'yeux américains via la télévision diffusée - a également été le catalyseur qui a déclenché les émeutes de Rodney King, il est difficile de ne pas être frappé par l'évidente symétrie.

"La résonance ne disparaît tout simplement pas, dit Daniel, expliquant à The Blade pourquoi faire revivre la pièce emblématique de Smith semble si effrayant en 2023. "Vous pensez, faire une pièce qui a trente ans, 'est-ce une pièce de musée?' - mais malheureusement, c'est une pièce qui ne peut jamais vieillir, tant que ces atrocités continuent à se produire." Il a poursuivi en expliquant : "Ces dernières années, grâce aux téléphones portables et à Internet, nous avons été exposés à tellement beaucoup de violence par les forces de l'ordre contre les corps noirs et bruns. Il y avait George Floyd, bien sûr, mais aussi Ahmaud Arbery, Breanna Taylor – les noms ne cessent de tomber. Alors même que nous allions aux répétitions, Tire Nichols a été assassiné à Memphis."

Il va sans dire que de nombreux publics d'aujourd'hui découvrent l'œuvre de Smith avec un sens renouvelé - au risque d'inviter une corruption péjorative du mot (et du concept) de la part des opposants conservateurs - de "réveil" et une interprétation fermement ancrée. des attitudes « bonnes » et « mauvaises » envers la reconnaissance de l'inégalité raciale systémique ; mais comme le souligne Daniel, l'une des caractéristiques déterminantes de la pièce originale est son refus de recourir à des jugements faciles.

"Elle n'essaie pas d'"inculper" un côté ou l'autre. Elle présente juste LA telle qu'elle est ; ce sont des comptes rendus textuels d'une époque que nous essayons toujours de maîtriser, ce ne sont pas des monologues ou des choses qui ont été composées, ce sont des expressions individuelles d'une expérience réelle. Elle n'essaie pas de prendre parti, elle présente simplement la façon dont les choses sont. Votre relation avec elle en tant que membre de la communauté, vivant en Amérique - c'est ce que nous avons, et nous devons faire avec il."

Ce refus de tomber dans une perspective facile est ce qui élève "Twilight" au-dessus du niveau de pure propagande émotionnelle. Il n'est pas difficile d'encadrer le bouleversement culturel de Rodney King ou de George Floyd en termes de simplicité littérale en noir et blanc, mais faire face à la myriade de complexités sous-jacentes qui ont contribué à la façon dont chacun de ces incidents s'est déroulé dans la conscience publique nécessite moins état d'esprit dogmatique que cela.

Sans impliquer la validité de contre-points réactionnaires tels que « TOUTES les vies comptent » ou d'autres « qu'en est-il » qui sont souvent substitués aux réponses rationnelles dans le débat sur la violence policière anti-BIPOC, la dispense mesurée du matériel de contradiction- des points de vue pourtant tout aussi authentiques d'un échantillon multiracial et souvent diamétralement opposé de voix de Los Angeles plaide fortement en faveur de l'argument selon lequel l'utilisation d'une force violente excessive contre quiconque, quelle que soit son origine ethnique, est un problème qui va au-delà de la race .

C'est un point clé, en ce qui concerne Daniel, lorsqu'il s'agit de reconnaître la portée de la discussion que "Twilight" invite. Oui, cela se concentre sur la violence systémique contre le POC et les luttes raciales compliquées – en particulier entre les communautés coréennes américaines et noires, opposées les unes aux autres par les circonstances et les inégalités économiques dans les communautés qu'elles cohabitent fréquemment – ​​qui obscurcissent si souvent les problèmes plus profonds qui le sous-tendent de notre point de vue ; mais en fin de compte, dans une perspective plus large, la stigmatisation de "l'altérité" qui infeste nos systèmes sociaux et culturels et s'étend bien au-delà de notre position intenablement divisée sur l'égalité raciale et la réinvention institutionnelle présente une menace pour le bien-être de toute communauté - qu'elle soit définie par la race, les croyances, le sexe, l'orientation sexuelle ou toute autre différence superficielle que nous utilisons pour nous séparer les uns des autres.

Comme le dit Daniel, "le sectarisme, la haine et la violence, une fois qu'ils sont perpétrés contre des corps afro-américains, peuvent être perpétrés contre n'importe quel corps. Ce n'est pas un grand saut de dire que la violence perpétrée contre les communautés noires et BIPOC est une violence contre toutes les communautés qu'ils jugent comme n'étant pas "américains" - ce n'est même pas à un jet de pierre pour eux de ressentir la même chose pour les Américains d'origine asiatique, ou les insulaires du Pacifique, ou les Juifs, ou les personnes LGBTQ+. Je veux dire, ils essaient d'interdire les drag shows ! Vraiment ? Ils pensent que c'est ça le problème ?"

Dans un contrepoint pointu à de tels sentiments, la production de "Twilight" de Daniel présente un ensemble multiracial de cinq personnes, dont chacune s'efforce de fournir des représentations honnêtes d'un éventail étourdissant de personnages couvrant le mélange large et diversifié d'ethnies, de genres, sexualité, idéologie et statut qui constituent la personnalité même de Los Angeles. Tous ont des moments transcendants, dans lesquels l'accent mis par la pièce sur l'humanité plutôt que sur la loyauté tribale brille clairement au premier plan; même ainsi, on ne peut nier que la division du format individuel de l'original en un concept qui répartit ses dizaines de rôles entre plusieurs acteurs a sans aucun doute l'effet involontaire de diffuser la puissance du matériau; il y a quelque chose de profond dans le fait qu'une seule voix exprime une multitude d'expériences individuelles, et bien que le même sentiment puisse être suscité lorsque le nombre de voix augmente, certains publics peuvent trouver qu'il est inévitablement diminué dans le processus. Pourtant, la production au Taper donne un coup de poing puissant, et il n'est pas surprenant que son moment le plus électrisant et dévastateur survienne lorsque la bande vidéo de Rodney King sauvagement battu est jouée en silence devant un public choqué et manifestement ému. Peut-être plus important encore, il propose un cours accéléré complet sur les faits entourant l'une des crises culturelles les plus importantes d'Amérique (et l'un des moments les plus sombres de Los Angeles) du dernier demi-siècle, et comble les lacunes pour ceux qui sont trop jeunes pour se souvenir de la réalité. événement de la vie. Mais surtout, il nous confronte à une vérité désagréable et nous laisse moins sûrs de notre position que lorsque nous sommes entrés dans le théâtre.

Comme Daniel l'encadre, "Si nous allons être une ville qui vit ensemble, comment nous rapportons-nous à ce qui est sur scène ? Notre intention avec 'Twilight' n'est pas de pointer du doigt, ou de réprimander, mais de dire, comme un membre de la communauté LA, un Angeleno, quelle est votre relation avec ces événements ?" City of Angels. "Twilight : Los Angeles, 1992" se poursuit jusqu'au 9 avril.

Des billets à prix réduit sont disponibles jusqu'au 2 avril dans le cadre de la LA Theatre Week.

Des billets et plus d'informations sont disponibles sur le site Web du Center Theatre Group.

La Latino Theatre Company présente l'ensemble expérimental interdisciplinaire de Mexico, Organización Secreta Teatro, dans 2 nouvelles pièces de performance

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LOS ANGELES — La Latino Theatre Company présente l'ensemble expérimental interdisciplinaire de Mexico, Organización Secreta Teatro, dans deux nouvelles performances. Chaque œuvre, Pueblo Espíritu et Las Diosas Subterráneas, recevra cinq représentations au cours d'un engagement limité de deux semaines, du 3 au 14 mai, au Los Angeles Theatre Center au centre-ville de LA

Pueblo Espíritu ("Spirit Town") explore une société dystopique post-pandémique dans laquelle les humains renouvellent leur foi dans le monde spirituel comme moyen de survie. Tentant d'échapper aux restrictions imposées par la pandémie de Covid, cinq personnages se retrouvent dans une forêt dense. Épuisés et assoiffés, ils ont peur et se méfient les uns des autres. Leur terreur s'intensifie lorsque le dernier de leur groupe à arriver est malade. Leur seul espoir de survie est de renouer avec leur environnement mystique.

Dans Las Diosas Subterráneas ("Déesses souterraines"), le mythe grec de Déméter et de sa fille Perséphone, kidnappés par Hadès, dieu des enfers, est étroitement lié à l'histoire de Luz García, un personnage basé sur des femmes réelles kidnappées par des trafiquants d'êtres humains. , pour raconter l'histoire de mères à la recherche de leurs filles disparues qui puisent leur force dans la communauté.

Les deux pièces ont été créées collectivement par les membres de l'ensemble Beatriz Cabrera, Alejandro Joan Carmarena, Brisei Guerrero, Stefanie Izquierdo, Ernesto Lecuona, Mercedes Olea et Jonathan Ramos.

Pueblo Espíritu est joué sans dialogue. Las Diosas Subterráneas présente un dialogue minimal de Stefanie Izquierdo, Ernesto Lecuona, Mercedes Olea et Rocío Carrillo et comportera des surtitres en anglais.

Pueblo Espíritu recevra cinq représentations, le mercredi 3 mai à 20h (soirée d'ouverture); jeudi 4 mai à 20 h ; vendredi 5 mai à 20h ; samedi 6 mai à 20h ; et dimanche 7 mai à 16h

Las Diosas Subterráneas se produit la semaine suivante, le mercredi 10 mai à 20h ; jeudi 11 mai à 20h ; vendredi 12 mai à 20h ; samedi 13 mai à 20h ; et dimanche 14 mai à 16h

Les billets vont de 22 $ à 48 $, sauf la soirée d'ouverture (3 mai), qui coûte 58 $ et comprend les réceptions avant et après le spectacle. Le Los Angeles Theatre Center est situé au 514 S. Spring St., Los Angeles, CA 90013.

Le stationnement est disponible pour 5 $ avec validation de la billetterie à la structure Joe's Parking, 530 S. Spring St. (immédiatement au sud du théâtre).

Une belle imagination de l'écrivain / interprète Brent Jennings de ce que son frère handicapé mental aurait pu dire s'il avait pu parler

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LOS ANGELES – The Echo Theatre Company présente That Perfect Place, une belle imagination de l'écrivain / interprète Brent Jennings de ce que son frère handicapé mental aurait pu dire s'il avait pu parler.

"J'ai grandi il y a très, très longtemps. Dans les années 60 pour être exact", déclare Jennings. "Une époque qui ressemble maintenant à une sorte d'aberration ou d'invasion d'extraterrestres inspirants parce qu'il n'y a jamais eu d'autre époque comme celle-ci. Une époque de changement réel et substantiel, une époque d'espoir, une époque de possibilités infinies, toutes nos voix comptaient Enfermées dans cette réalité se trouvaient des familles aux prises avec les défis domestiques ou familiaux de leur foyer. Des familles comme celle dans laquelle j'ai grandi. Les histoires présentées dans That Perfect Place sont une représentation, une réflexion, une méditation sur la vie de la famille que j'ai a grandi une partie de, présenté par son membre le plus défié. Un membre qui a peut-être été le plus émouvant, le plus sage et le plus compatissant de nous tous. Merci de m'avoir permis d'explorer ce projet, ma passion, avec vous.

Brent Jennings est un acteur de théâtre, de télévision et de cinéma vétéran basé à Los Angeles avec une carrière de près de 40 ans. Plus récemment, il a été vu à la télévision dans le rôle principal d'Ernie Fontaine dans la série télévisée acclamée par la critique Lodge 49, et il est apparu dans le rôle récurrent de grand-père Willie dans le drame à succès CW All American au cours des quatre dernières saisons. Les autres crédits incluent plusieurs épisodes de All Rise ; Snowfall et la nouvelle comédie How to Be A Bookie pour HBO Max. D'autres crédits récents incluent Insecure et Young Sheldon.

QUAND:Du 2 avril au 23 avril• Les dimanches à 19h30 : 2 avril, 9 avril, 16 avril, 23 avril

OÙ:Echo Theatre CompanyAtwater Village Theatre3269 Casitas AveLos Angeles, CA 90039

PARKING:GRATUIT dans le lot Atwater Crossing (AXT) à un pâté de maisons au sud du théâtre

PRIX DES BILLETS :10 $

Pour plus d'informations, visitez: www.EchoTheaterCompany.com(310) 307-3753

Cette année, Stage Raw récompense les productions dans des salles de toutes tailles, plutôt que de se concentrer entièrement sur des salles de 99 places ou moins

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LOS ANGELES – Les Stage Raw Theatre Awards célèbrent l'excellence sur les scènes de la région de Los Angeles. Cette année, la soirée des prix du théâtre Stage Raw "I'm Still Here" récompensera les productions ouvertes au cours de l'année civile 2022.

Stage Raw est un site Web de journalisme professionnel financé par la communauté qui a été lancé en 2014, en réponse au déclin de la couverture des arts dans les médias traditionnels et alternatifs locaux.

La soirée de remise des prix aura lieu le lundi soir 17 avril 2023 au Sassafras Saloon, 1233 N. Vine Street à Hollywood. Les billets coûtent 20 $ pour tout le monde, s'ils sont achetés à l'avance. 25 $ à la porte. (La capacité est limitée et les billets ne seront plus disponibles une fois cette capacité atteinte.) L'entrée comprend de la nourriture gratuite, de la musique, de la danse et un bar payant. Tous les bénéfices seront utilisés pour soutenir les journalistes professionnels de Stage Raw et leur capacité à continuer à couvrir le théâtre de la région de Los Angeles.

Les billets peuvent être achetés ici :(Lien)

Assurez-vous d'utiliser le code promotionnel "StageRaw" pour éviter les frais de billetterie de 2,50 $. (Ceci est un service de l'agence de billetterie onstage411.com).

Cette année, Stage Raw récompense les productions dans des salles de toutes tailles, plutôt que de se concentrer entièrement sur des salles de 99 places ou moins.

De plus, Stage Raw a changé son système d'attribution de reconnaissance en réponse au défaut des années précédentes d'exclure d'excellentes productions qui n'ont pas pu attirer un «quorum» de contributeurs. Cette année, chaque contributeur de Stage Raw s'est vu attribuer un certain nombre de votes, proportionnel au nombre d'émissions examinées par Stage Raw qu'il a vues, et ils ont voté pour toute personne, production ou dans toute catégorie de leur choix.

L'éditeur fondateur Steven Leigh Morris explique : « L'effet espéré de ce système est de diversifier le nombre d'entreprises récompensées en honorant la diversité générationnelle, ethnique, de genre et esthétique de nos contributeurs individuels, qui sélectionneront chacun les lauréats.

Et enfin, toute l'ambiance de l'événement sera plus une fête qu'une remise de prix. La cérémonie proprement dite durera 30 à 45 minutes consacrées aux annonces et à la remise des prix "Reine des anges" et "Accomplissement de toute une vie". Tous les autres lauréats seront nommés lors de cette cérémonie et pourront récupérer leurs récompenses à une table.

CHORÉGRAPHIE DE COMBAT

Ahmed Best, Hooded ou Être noir pour les nuls, Echo Theatre Company

CONCEPTION SONORE

Dean Harada, Tea, Hero Theatre à Inner-City Arts

CONCEPTION D'ÉCLAIRAGE

Lap Chi Chu, La recherche de signes de vie intelligente dans l'univers,

Groupe de théâtre du centre, Forum Mark Taper

CONCEPTION VIDÉO/PROJECTION

Hsuan-Kuang Hsieh, Le grand débat Jheri Curl, Joueurs de l'Est-Ouest

Nick Santiago, l'idiot américain de Green Day, Chance Theatre

DÉCOR

Ann Beyersdorfer, Afterglow, Midnight Theatricals au Hudson Theatre

John Iacovelli, The Brothers Paranormal, East West Players

Cindy Lin, Untitled Baby Play, IAMA Theatre Company

Rachel Myers, Puissance de la voile, Geffen Playhouse

SOUTENIR LES PERFORMANCES

Aimee Carrero, Qui a peur de Virginia Woolf ?, Geffen Playhouse

Alexandra Hellquist, D'un autre côté, nous sommes heureux, Rogue Machine Theatre

Michael Matts, Angels in America: Perestroika, Foolish Production Company

Eileen T'Kaye, Une maison de poupée, partie II, International City Theatre

PERFORMANCE DE COMÉDIE

Brent Grimes, Hooded ou Être noir pour les nuls, Echo Theatre Company

PERFORMANCE SOLO

John Rubinstein, Eisenhower: This Piece of Ground, New Los Angeles Repertory Theatre Company, Theatre West et Hudson MainStage Theatre

ÉCRITURE-PERFORMANCE SOLO

Alex Alpharaoh, Wet: A DACAmented Journey, Greenway Court Theatre

Colin Campbell, Grief: A One-Man Shitshow, The Broadwater

Ben Moroski, Chien, Le Broadwater

Jesús I. Valles (Un)documents, Compagnie de théâtre latino

ÉCRITURE-PERFORMANCE

Judy Carter, Une évasion défiant la mort !, Hudson Guild Theatre

PERFORMANCES EN PLOMB

Hugo Armstrong, Oncle Vanya, Pasadena Playhouse

Kevin Ashworth, Une lecture publique d'un scénario non produit sur la mort de Walt Disney, planificateurs de théâtre à l'Odyssey Theatre

Ramón de Ocampo, Hamlet, Compagnie théâtrale Antaeus

Jenny O'Hara, Little Theatre, Rogue Machine Theatre

Zachary Quinto, Qui a peur de Virginia Woolf ?, Geffen Playhouse

Jennifer Shelton, Une maison de poupée, partie II, International City Theatre

Michael A. Shepperd, Valley Song, Théâtre international de la ville

Kalean Ung, Macbeth, Independent Shakespeare Co.

DIRECTION

Nancy Lantis, The Sandman, Eclipse Theatre LA et Santa Clarita Shakespeare Festival

DIRECTION DE LA COMÉDIE

Ahmed Best, Hooded ou Être noir pour les nuls, Echo Theatre Company

RÉALISATION/ENSEMBLE

Will Block et l'ensemble de All is True ou Henry VIII, The Porters of Hellsgate Theatre Company

Gregg T. Daniel et l'ensemble de Radio Golf, A Noise Within

COMEDIE ENSEMBLE

Vous ne pouvez pas payer ? Ne payez pas !, Le gang des acteurs

ENSEMBLE

Anna dans Les tropiques, un bruit à l'intérieur

Blues pour un ciel de l'Alabama, Center Theatre Group/Mark Taper Forum

Le Musée Coloré, Ensemble Loft

Freestyle Love Supreme, Pasadena Playhouse,

Si personne ne fait des choses remarquables, Pandora Productions au Garage Theatre

L'héritage, Geffen Playhouse

Masao and the Bronze Nightingale, CASA 0101 et le Japanese American National Museum

ADAPTATION

James Fowler, Songe d'une nuit d'été, Open Fist Theatre Company

JOUER À L'ÉCRITURE

Carla Ching, Revenge Porn, Ammunition Theatre Company

Bernardo Cubria, La pièce que vous voulez, Road Theatre Company

Kelly McBurnette-Andronicos, La maison de la ruine finale, Le saut d'Ophelia

Murray Mednick, Trois Tables, Dramaturges de Padoue au Zephyr Theatre

EXCELLENCE DE PRODUCTION EN QUEER STORYTELLING

Interstate, Joueurs Est-Ouest

REVEIL MUSICAL DISTINGUÉ

Oklahoma! Groupe de théâtre du Centre/Théâtre Ahmanson

PRODUCTION DISTINGUÉE

Songe d'une nuit d'été, Théâtre du poing ouvert

La Pénélopiade, City Garage

Roe, Théâtre de la Fontaine

Oncle Vanya, Pasadena Playhouse

SAISON DISTINGUÉE

The Road Theatre Company (The Play You Want, Beloved, Bright Half Life, Selon le chœur)

RÉALISATION À VIE

Maria Gobetti et Tom Ormeny (Victory Theatre Center)

Frédérique Michel and Charles Duncombe (City Garage)

REINE DES ANGES

La Coalition SB116 (Teri Ball, Beatrice Casagran, Elina DeSantos, Emmanuel Deleage, Martha Demson, Christopher Maikish, Leo Marks, Marc Antonio Pritchett et Vanessa Stewart)

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La soirée de remise des prix du théâtre Stage Raw "I'm Still Here" 2023 est soutenue par le généreux parrainage des sociétés et individus suivants : Antaeus Theatre Company, Crimson Square Theatre, Dina Morrone, DEMAND PR, The Geffen Playhouse, The Hudson Theatres, IAMA Theatre Company, Lucy Pollak Public Relations, Macha Theatre Company, Ophelia's Jump, Road Theatre Company, Sandra Kuker Public Relations, Santa Monica Playhouse, Sierra Madre Playhouse, Theatre 40, Theatre of NOTE et The Victory Theatre Center.

Le spectacle débute le vendredi 24 mars et se termine le dimanche 2 avril 2023 au Kavli Theatre du Bank of America Performing Arts Center

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THOUSAND OAKS, Californie - 5-STAR THEATRIALS est fier d'annoncer le premier spectacle de sa saison 2023-2024, lauréat du Tony Award, RAGTIME: THE MUSICAL, livre de Terrence McNally, musique de Lynn Ahrens, paroles de Steven Flaherty, chef d'orchestre et direction musicale de Tom Griffin, chorégraphie de Michelle Elkin et mise en scène de Jeffrey Polk.

RAGTIME: THE MUSICAL ouvre le vendredi 24 mars 2023 et se poursuit jusqu'au dimanche 2 avril 2023 au Kavli Theatre du Bank of America Performing Arts Center (anciennement le Thousand Oaks Civic Arts Plaza), 2100 Thousand Oaks Boulevard à Thousand Oaks .

Basée sur le roman d'EL Doctorow, cette tapisserie musicale représente une famille afro-américaine, une famille d'immigrants juifs et une riche famille de banlieue blanche de l'Amérique du début du siècle, qui se heurtent à la poursuite du rêve américain.

Nominé pour 13 Tony Awards®, dont "Best Musical", et gagnant pour "Best Original Score" et "Best Book of a Musical", Ragtime est un portrait puissant de la vie au début du siècle, explorant les contradictions intemporelles de l'Amérique de liberté et de préjugés, de richesse et de pauvreté, d'espoir et de désespoir.

JEFFREY POLK (réalisateur) Réalisé et chorégraphié : The Color Purple, Smokey Joe's Cafe, Memphis (The Musical), Ain't Misbehavin'. Chorégraphie : Dreamgirls, (TUTS, Houston avec Sheldon Epps, réalisateur), Kiss Me, Kate, (Pasadena Playhouse, Sheldon Epps, réalisateur), Blues In The Night, (The Wallis, Beverly Hills, Sheldon Epps, réalisateur). Réalisateur invité avec "The Young Americans" et "Heartglobal Outreach World Tours". M. Polk s'est produit à Broadway, dans des tournées nationales, à la télévision et au cinéma.

MICHELLE ELKIN (Chorégraphie) Certains crédits incluent : "Sutton Foster Live" avec Jonathan Groff (PBS), "Young Sheldon" chorégraphe résident (CBS), "Younger" (TV Land), "The Wonderful Mrs. Maisel" (Amazon), "Me And My Grandma" avec Rhea Perlman, "Baby Daddy" (ABC Family), le pilote TNT "Dawn" réalisé par Sam Raimi, l'émission de téléréalité de Lifetime "Your Mama Don't Dance", "Kristin" avec Kristin Chenoweth, et appuyez sur séquences dans "Bunheads" d'ABC Family. Théâtre : Numéros musicaux en direct mettant en vedette Sutton Foster, lauréat du Tony Award, avec l'invité spécial Joshua Henry pour le NSO au Kennedy Center, New York Pops au Carnegie Hall et le Houston Symphony. Théâtre : Something Rotten (nominé pour le monde de Broadway) Sister Act The Musical (nominé pour le monde de Broadway), Bossu de Notre Dame (nominé pour le monde de Broadway) Children Of Eden (nominé pour le monde de Broadway); Little Shop Of Horrors (Centre Straz), The Goodbye Girl (MTG). Longs métrages : Wild Hogs, What Just Happened. Les crédits de chorégraphe associé incluent ; "Dancing With The Stars", Sister Act au Pasadena Playhouse, "Emmy Awards" avec Jane Lynch, "Academy Awards" avec Hugh Jackman et le spectacle de Broadway, Wonderland (Marquis Theatre).

TOM GRIFFIN (directeur musical/chef d'orchestre) est un directeur musical et chef d'orchestre reconnu à l'échelle nationale pour le théâtre musical professionnel.

Tom a été directeur musical pour les productions de Los Angeles de Disney's Beauty and The Beast, The Music Man, Annie, "13" The Musical, Bye Bye Birdie, Sweet Charity, West Side Story, The Scarlet Pimpernel et Joseph & The Amazing Technicolor Dreamcoat, la tournée nationale de My Fair Lady pour le Theatre Of The Stars, les productions Alabama Shakespeare Festival de A Christmas Carol, Peter Pan, 25th Annual Putnum County Spelling Bee, Disney's Mary Poppins, la première sur la côte Est et l'atelier new-yorkais de A Christmas de Truman Capote Memory et les productions de The Pioneer Theatre Company de Once, A Christmas Carol, Elf, The Musical, Peter & The Starcatcher, Oliver, Newsies et Once On This Island.

Tom a reçu des prix pour sa direction musicale de spectacles, notamment la reprise à Broadway de You're a Good Man Charlie Brown (première à Los Angeles), pour laquelle il a reçu un Garland Award de la meilleure direction musicale, et Side Show (première à Los Angeles), pour lequel il a reçu un Los Angeles Drama Critics Award de la meilleure direction musicale, ainsi que huit nominations au Theatre LA Ovation Award.

Tom a été le chef d'orchestre musical de Disney's Beauty and The Beast lors de deux tournées nationales et a de nouveau été directeur musical pour la diffusion du spectacle au Fox Theatre d'Atlanta. Les autres productions de Tom incluent Grease, The Mystery of Edmond Drood, la première sur la côte ouest de My Way, A Connecticut Yankee, Honk! The Musical, les premières sur la côte ouest et à Los Angeles de The Last Five Years, la première sur la côte ouest de The Spitfire Grill, 70 Girls 70, Baby, Alice au pays des merveilles, Cendrillon, La Belle au bois dormant, Le livre de la jungle, Aladdin, Fatty, Oklahoma, The Wizard of Oz, Inside the Music et Club Indigo, pour lequel il a également remporté un prix DramaLogue pour la meilleure direction musicale.

Le casting de RAGTIME: THE MUSICAL mettra en vedette Marty Austin Lamar dans "Coalhouse", Brittany Anderson dans "Sarah", Misty Cotton dans "Mother", Michael Scott Harris dans "Father", Hank Jacobs dans "Tateh", Samantha Wynn-Greenstone comme "Emma Goldman", Ceron Jones comme "Booker T", Monica Ricketts comme "Evelyn Nesbit", Jeremy Ingraham comme "Younger Brother", Steven Perren comme "Grand-père", Jacob Hoff comme "Harry Houdini", Josh Christoff comme "JP Morgan", Davis Hamilton dans "Henry Ford", Lila Dunham dans "Little Girl", Daxton Bethoney dans "Little Boy (Edgar)" et Jordan Jackson dans "Sarah's Friend/Ensemble".

L'Ensemble comprendra (par ordre alphabétique) : Christopher D. Baker, Emily Cochrane, Domo D'D'Ante, BK Dawson, Julia Feeley, Glen Hall, Tyler Marshall, Almand Martin, Jr., Donovan Mendelovitz, Kristen O'Connell, Will Jedusor, Zara Saje, Leasa Shukiar, Kumari Small, Tania Pasano Storrs et Dekontee Tucrkile.

Le Youth Ensemble comprendra (par ordre alphabétique) : Delilah Bank, Tanner Cox, Camryn Daniels, Madelyn Freidman, Harley Gray, Harrington Gwin, Madison North, Calulla Sawyer, Weston Walker-Pardee, Poppi Wilbur-McDaniels et Olivia Zenetzis.

L'équipe de conception de RAGTIME: THE MUSICAL comprend : Conception d'éclairage par Brandon Baruch ; Conception des costumes par Shon LeBlanc; Conception sonore par Jonathan Burke ; Conception d'accessoires par Alex Choate ; Conception de cheveux et de perruques par Luis Ramirez. La régisseuse de production est Erin Nicole Eggers.

RAGTIME: THE MUSICAL ouvre le vendredi 24 mars et se poursuit jusqu'au dimanche 2 avril 2023 au Kavli Theatre du Bank of America Performing Arts Center (anciennement Thousand Oaks Civic Arts Plaza), 2100 Thousand Oaks Boulevard à Thousand Oaks.

Les représentations ont lieu les vendredis à 20h ; les samedis à 14h et 20h ; dimanche 24 mars à 14h et dimanche 2 avril à 13h ; avec une représentation supplémentaire le jeudi 30 mars à 19h30.

Les billets sont en vente dès maintenant et peuvent être achetés à la billetterie du Bank of America Performing Arts Center située au 2100 Thousand Oaks Boulevard à Thousand Oaks, ou via www.5startheatricals.com, ou par téléphone au (800) 745-3000.

Pour les groupes de 10 personnes ou plus, veuillez appeler Group Sales, 5-STAR THEATRIALS au (805) 497-8613 x 1.

Les prix des billets varient de 35 $ à 90 $. Pour obtenir des informations sur les billets et le théâtre, appelez le (805) 449-ARTS (2787).

Il n'y aura plus d'exigences de vaccination COVID pour le Bank of America Performing Arts Center. Conformément à l'ordonnance de santé publique du comté de Ventura, les masques ou les couvre-visages sont fortement recommandés pour toutes les personnes, quel que soit leur statut vaccinal.

Situé au cœur du quartier NoHo Arts, l'entreprise a élu domicile au Historic Lankershim Arts Centre au cours des 26 dernières saisons.

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NORTH HOLLYWOOD - The Road Theatre Company et Taylor Gilbert, fondateur/directeur artistique, ainsi que Sam Anderson, directeur artistique, restent attachés à leur mission significative de produire et de développer de nouvelles œuvres pour la scène en créant des pièces de bas en haut ! Avec Carlyle King, Jessica Broutt, le rêve a éclos. Ils l'ont appelé UNDER CONSTRUCTION - NEW PLAY SLAMFEST 3.

Onze nouveaux dramaturges présenteront leurs pièces qui ont été développées au cours du processus de gestation de dix mois. EN CONSTRUCTION - NOUVELLE PIÈCE SLAMFEST 3 est quelque chose de spécial et unique au ROAD et ses dramaturges continuent de remporter du succès dans tout le pays. Récemment, la société a ajouté Steppenwolf à la liste !

Voici la programmation des trois semaines :

17 février – 20h : A True Tragedie de Jason Gray Platt, réalisé par Nancy Fassett.

Dans l'Angleterre élisabéthaine, une compagnie de théâtre en difficulté tente de se faire un nom en inventant un tout nouveau genre de narration. Pensez à Shakespeare amoureux.

18 février – 20h : Gentlemen & Ladies d'Alyssa Haddad-Chin, mise en scène par Ann Hearn Tobolowsky. Lorsqu'un groupe de défense des droits des hommes quitte Internet et se réunit en personne, un nouveau membre menace de changer les choses !

19 février – 14h : STILL de Lia Romeo, réalisé par Michelle Bossy.

Il y a 30 ans, Helen et Mark ont ​​rompu. Maintenant, il est candidat au Congrès et elle a un secret qui pourrait faire dérailler sa candidature. Une pièce sur l'amour perdu et la façon dont les gens changent… ou pas.

19 février – 19h30 : discordance de Mak Shealy, mise en scène de Kristina Cole Geddes.

Étudiants diplômés en géologie, liés par un amour partagé d'essayer de déchiffrer les secrets de la terre antique. Au centre de tout cela, la curiosité et la peur s'affrontent alors que nous cherchons un moyen significatif de mesurer notre temps ici.

24 février - 20h : FEAST d'Adam Hunter Howard, mise en scène Allan Wasserman.

FEAST est une pièce sur les générations - celles que nous avons honorées, celles que nous avons perdues et celles que nous n'avons jamais connues."

25 février - 20h : REUNION de Rafael Yglesias, mise en scène Sam Anderson.

Après des décennies à cacher la vérité à leurs proches, que se passera-t-il lorsqu'ils révéleront leur vrai moi ? Et quand ils s'affronteront enfin avec leurs vérités séparées, cela les guérira-t-il ou les brisera-t-il ?

27 février - 20h ELECTRIC, I de Shayne Eastin, réalisé par Adrian Alex Cruz.

Que signifie projeter le "soi" ? Un groupe de créatifs, de scientifiques, d'hommes d'affaires et de criminels explorent cette question au début du cinéma et dans un futur lointain.

3 mars - 20h : The Sporting Life de Marjorie Muller, mise en scène April Webster.

La nouvelle petite amie de papa est un tueur en série et c'est honnêtement un peu emblématique. Dot, 16 ans, n'a toujours pas eu ses règles. The Sporting Life est une histoire «cette fille est une femme maintenant» brutalement ouverte.

4 mars - 20h Alisha Firewind de Ryan Elliot Wilson, réalisé par Darryl Johnson.

La famille Parson s'en sort, comme tout le monde qui n'est pas un fasciste-pardon, un 'Patriot'. Surveillé par des voisins, c'est dur partout. Mais peut-être, juste peut-être qu'Alisha Firewind, une tête de mule thérapeutique et taxidermique, les aide à chanter leurs luttes.

5 mars - 14h Memory of Winter de Tira Palmquist, réalisé par Beth Lopes.

C'est l'hiver pour l'instant. Et Billie Peterson est encore dans le Minnesota, pour l'instant. Elle accepte le fait que même le lac le plus froid, le plus profond et le plus grand d'Amérique du Nord n'est pas à l'abri des effets du changement climatique.

5 mars - 19h30 : Singularités ou les ordinateurs de Vénus écrit par Laura Stribling.

Que voit-on quand on regarde l'étoile ? Le passé? L'avenir? Nos propres limites ? Se déroulant dans 3 périodes différentes, la vie des femmes astronomes regarde la lumière, l'amour et l'infini.

LA COMPAGNIE ROAD THEATRE :

Colonie artistique senior NoHo

10747, boulevard W. Magnolia,

Los Angeles, Californie 91601

Située au cœur du quartier des arts NoHo, le quartier des arts à la croissance la plus rapide du comté de LA, la société a élu domicile au centre historique des arts de Lankershim au cours des 26 dernières saisons. La Road Theatre Company est un théâtre primé à plusieurs reprises qui a été nommé l'une des dix meilleures compagnies de théâtre intime de Los Angeles. Il abrite plus de 150 artistes de théâtre dévoués à la création d'œuvres du plus haut niveau. Ce festival est produit par arrangement spécial avec SAG-AFTRA.

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Le 14e festival annuel des dramaturges d'été se déroulera sur dix jours passionnants du vendredi 7 juillet au dimanche 16 juillet 2023

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HOLLYWOOD – Dans un monde qui semble de plus en plus régi par les performances de Tik Tok et les médias en streaming via nos téléphones, la marraine/père de tous les médias règne toujours en maître : le théâtre en direct.

Les psychologues l'ont étudié et ont découvert que les clients du théâtre flexaient davantage leur cerveau, développaient la pensée critique, approfondissaient la conscience de soi et s'ouvraient à une empathie profondément ressentie. Un projet scientifique a révélé qu'après une production théâtrale en direct, les téléspectateurs "ont montré des changements dans leurs attitudes à l'égard de la discrimination raciale, de l'inégalité des revenus, de l'aide sociale, de la réglementation des entreprises, de la redistribution des richesses et de l'action positive. Ils ont également augmenté leurs dons caritatifs après la représentation."

Bien qu'il n'ait jamais suivi un influenceur de YouTube, le challenger des mœurs de la société, Oscar Wilde a déclaré : "Je considère le théâtre comme la plus grande de toutes les formes d'art, la manière la plus immédiate dont un être humain peut partager avec un autre le sens de ce qu'il est. être un être humain."

La Road Theatre Company , un théâtre primé à plusieurs reprises nommé comme l'une des dix meilleures compagnies de théâtre intime, est la source du théâtre créatif de Los Angeles. Il représente tout ce que le théâtre devrait et doit être pour nourrir l'esprit et l'âme imaginatifs et critiques de l'Amérique. Sa mission n'est pas seulement de présenter du théâtre, c'est de le créer. Située au cœur du Noho Arts District, la compagnie est un ensemble de plus de 150 artistes de théâtre farouchement engagés dans le développement de nouvelles pièces. Pour poursuivre cette mission, la société a lancéEn cours de construction, un groupe collaboratif de dramaturges nouveaux et établis dédié à la narration socialement et politiquement pertinente pour la scène américaine.

Taylor Gilbert, le fondateur et directeur artistique, m'a dit : "La Road Theatre Company a été créée lorsqu'un groupe d'acteurs, dont moi-même, jouaient une très mauvaise pièce. Nous avons quitté la scène après sa deuxième représentation. Nous avons vidé la loge et dit, 'Nous pouvons faire mieux que cela!' Nous sommes entrés dans Jerry's Deli et avons commencé à réfléchir. Deux mois plus tard, avec un groupe d'acteurs du monde entier, nous avons ouvert nos portes dans un quartier d'entrepôts très morne mais passionnant et sommes fidèles à notre mission depuis : produire de nouveaux contenus politiquement et/ou socialement pertinents. travail jamais vu auparavant à Los Angeles. Maintenant, 31 ans plus tard, nous nous efforçons toujours de faire exactement cela.

Auteurs et dramaturges LGBTQ et alliés, voici votre chance d'être découverts!

Il y a quatorze ans, après plus d'une décennie et demie de succès dans la production de nouvelles pièces, la Road Theatre Company a élargi l'initiative pour trouver de nouvelles œuvres en lançant le Summer Playwrights Festival.

Le festival est aujourd'hui l'un des plus grands festivals de lecture organisés du pays.

Le concept est simple. Les dramaturges soumettent leur travail à l'aveugle, leur identité est essentiellement anonyme et les centaines de soumissions sont examinées par un groupe de lecteurs désignés. Ces lecteurs élèvent ensuite les finalistes au conseil artistique qui prend les décisions finales. Les dix lauréats de ce processus sont présentés comme les lectures scéniques qui composent le festival. Le 14e festival annuel des dramaturges d'été se déroulera sur dix jours passionnants du vendredi 7 juillet au dimanche 16 juillet 2023. Chaque lecture est suivie d'une discussion avec le dramaturge et le metteur en scène.

Les soumissions de dramaturges viennent de partout au pays, et le festival est une excellente occasion pour les écrivains LGBTQ de faire entendre et présenter leurs histoires. "Nous avons des dramaturges qui n'ont rien fait, nous avons des dramaturges qui ont été produits à Broadway", me dit Taylor. "Vous pouvez être de n'importe quel milieu d'écriture et si votre pièce est bonne, nous allons l'examiner. Nous allons la lire."

Elle poursuit : "Nous ne recherchons rien en particulier, nous recherchons simplement un écrivain qui nous fait un peu trébucher. Nous recherchons quelque chose d'excitant, de nouveau et de jeune. C'est intéressant pour nous de pouvoir regarder une pièce que nous pouvons jouer de toutes les manières que nous jugeons possibles – ouvrir notre casting et faire un casting conscient qui reflète un festival et une compagnie plus diversifiés et plus inclusifs.

"Je pense qu'à ce stade, nous envisageons probablement des choses pour un casting d'environ quatre ou cinq personnes. Un tel casting donne l'opportunité avec le budget plus petit dont nous disposons afin de pouvoir produire plus de spectacles pendant la Cela ne veut pas dire qu'on ne peut pas faire une lecture d'une pièce qui a une distribution plus importante que ça. Et ça ne veut pas dire qu'on ne la produira pas.

Taylor donne un aperçu de ce que les soumissions lui parleraient, "Quand je lis quelque chose que je ressens est honnête et réel et proche du cœur de quelqu'un. C'est ce qui m'attire dans un morceau. Et cela ne veut pas dire que ça doit être piéton, ce qui peut être, ou quelque peu fantastique. Nous apprécions les histoires qui incluent des histoires LGBTQ +. Nous en avons fait une la saison dernière. C'était une production fantastique, cette pièce. Nous aimons pouvoir produire tout ce que nous pensons être si bien écrit qu'il a juste besoin d'être vu."

Les dramaturges passés qui ont été acceptés ont inclus John Patrick Shanley, Steve Yockey, William Mastrosimone, Harrison David Rivers, Jami Brandli, Lisa B. Thompson, Franky D. Gonzalez, DL Coburn, Lisa Loomer, Sharr White, Marisa Wegrzyn, Craig Wright, Wendy Macleod, Lucy Thurber, Mo Gaffney, Keith Huff, Brett Neveu, Scooter Pietsch, Craig Pospisil, Julie Marie Myatt et Martyna Majok.

Les artistes qui ont effectué les lectures ont inclus Bryan Cranston, Laurie Metcalf, Jason Alexander, Zachary Quinto, Ann Cusack, Kathy Baker, Jennifer Tilly, Perry King, Rondi Reed, Tom Irwin, Nancy Travis, Gregory Harrison, Gale Harold, Robert Pine, Michael O 'Neill, Harold Gould, Jon Polito, James Eckhouse, Lila Crawford et Zoe Perry.

Pour soumettre votre pièce, utilisez ce lien : https://roadtheatre.org/event/summer-playwrights-festival-14-submission-info/

- Chaque soumission est lue et évaluée par les membres de Road Company avec des recommandations faites au conseil artistique et aux producteurs SPF qui lisent et évaluent ensuite les scripts recommandés et font les choix finaux pour les pièces qui feront l'objet de lectures mises en scène à SPF14.

-Chaque pièce reçoit un minimum de deux évaluations de lecture. Le personnel du SPF14 regrette de ne pas fournir de commentaires sur les documents soumis.

-Cette année, SPF s'efforcera de réduire davantage les biais de notre processus d'évaluation, tout en tenant compte de la race, du sexe et d'autres facteurs dans notre choix de pièces. Nous demandons aux dramaturges de supprimer toutes les informations d'identification de leurs scripts.

-Les pièces de n'importe quelle durée ou genre sont éligibles.

-Pour être inclus dans le SPF 14, l'œuvre doit rester non produite sur la côte ouest et non publiée jusqu'au 16 juillet 2023.

-Les premières soumissions sont fortement encouragées.

-Aucun agent n'est requis.

-SEULES les demandes de copie électronique sont acceptées. Pas de copies papier, s'il vous plaît.

-Tous les scripts doivent être au format de fichier PDF. Aucune soumission sur papier ne sera acceptée.

-Veuillez supprimer TOUTES les informations d'identification sur le dramaturge du script.

-Le titre de votre fichier doit être le titre de la pièce uniquement.

-Les pièces doivent être paginées et inclure une liste de personnages.

-Veuillez inclure un synopsis de votre jeu sur le formulaire de soumission.

-Nous accepterons les soumissions pour SPF 14 entre le 1er février et 23 h 59 le 15 mars 2023. Nous ne pouvons accepter aucune pièce après cette date limite, veuillez donc planifier en conséquence.

-Les pièces de toutes les durées (dix minutes, un acte, pleine longueur) peuvent être soumises pendant cette période.

-Les sélections officielles SPF 14 seront annoncées d'ici le 7 juin 2023.

-20$ pour les scripts de plus de 30 pages (pleine longueur) et 15$ pour les scripts de moins de 30 pages (forme courte).

-Les frais peuvent être soumis via ce lien: SPF Submisson Fee

Lors du paiement, vous recevrez deux e-mails dans votre boîte de réception. Le premier sera un reçu de paiement et le second inclura des détails avec des instructions de soumission de script.

Si les frais représentent des difficultés financières, veuillez envoyer un e-mail à [email protected] pour qu'ils soient annulés, sans poser de questions.

Pour toutes demandes et informations complémentaires, contactez :www.facebook.com/roadtheatre www.instagram.com/roadtheatre www.twitter.com/roadtheatre www.youtube.com/roadtheatrecompany

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Rob Watson est l'hôte de la populaire émission de radio/podcast basée à Hollywood RATED LGBT RADIO.

Il est un chroniqueur et blogueur LGBTQ établi ayant écrit pour de nombreuses publications en ligne de premier plan, notamment Parents Magazine, le Huffington Post, LGBTQ Nation, Gay Star News, le New Civil Rights Movement, et plus encore.

Il a été rédacteur en chef de The Good Man Project, est apparu sur MSNBC et a été cité dans Business Week et Forbes Magazine.

Il est PDG de Watson Writes, une agence de communication marketing, et peut être contacté à [email protected] .

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